Errores que debemos evitar en la fotografía de retratos



La fotografía de retratos requiere de una técnica específica, pero también es importante tener en cuenta los detalles para no arruinar lo que podría ser una sesión genial. Aquí van una serie de errores que debemos evitar para mejorar nuestros retratos.

Hace unos meses elaboramos en ALTFoto una pequeña guía para la fotografía de retratos con una serie de consejos que deberíamos tener en cuenta. Lo que hoy os presento es totalmente todo lo contrario, son errores que debemos evitar en la fotografía de retratos.

1.Fondos y elementos distractores

Puede parecer obvio, pero a veces viene bien recordarlo. Hay que prestar atención a los elementos que hay en segundo plano para que no creen distracciones y se conviertan en el centro de atención en detrimento de lo importante, la persona a la que retratamos. Presta, por lo tanto, atención a lo que hay en el fondo y alrededor del retratado, sobre todo en exteriores. En interiores, evita fondos con patrones que llamen demasiado la atención y nos distraigan de lo importante. Si no podemos evitar los elementos en el fondo, juega con la profundidad de campo para que el fondo se vea desenfocado.

2.Mal enfocado 

La regla, como ya os comentábamos en la otra entrada sobre retratos es hacer foco en los ojos. Si los ojos no están enfocados, mal vamos. Lo que nos tenga que contar el fotografiado en el retrato lo va a hacer a través de los ojos, así que si no están a foco, no nos podrán contar mucho. Si sólo se hace foco sobre uno de los ojos, debe ser sobre el que esté más cerca de la cámara. 

3.Posado forzado

La mayoría, a no ser que hayamos hecho un curso profesional o tengamos ese don, no sabemos cómo posar ante la cámara y una sesión de fotos puede ser algo incómodo e intimidante. Por lo tanto es importantísimo hacer que el sujeto se sienta a gusto delante de la cámara y conseguir que, bien en pie o sentado actúe de forma natural y realice posados atractivos. Que mantengan la postura, que no estén rígidos son detalles que debemos ir comentando para que no estén tiesos como un palo delante de la cámara. Como fotógrafos, tendremos que buscar sus mejores ángulos para que salga lo mejor posible. Cuidado con pies y manos, que es algo con lo que no se suele saber qué hacer. Sugiere y no mandes, que estén a gusto y el resultado será mejor.

4.Usar el objetivo equivocado 

Ya comentamos cuál era el objetivo más adecuado para la fotografía de retrato. Hay que evitar lentes que distorsionen como granangulares, que suelen ser menos favorecedores. Un 20mm puede estirar la cara y deformar el rostro del sujeto. Una focal demasiado larga también puede crear distorsiones extrañas. Por lo tanto, como ya habíamos recomendado, un 50mm o un objetivo entre 70-135mm será una buena elección. 

5.Hacer lo mismo de siempre 

Usar los mismos trucos de siempre puede hacer que nuestra fotografía de retratos se convierta en algo monótono, hortera, viejuno y anticuado. No te estanques. Mezcla estilos y prueba técnicas. Si tus clientes ven que innovas y te preocupas hará que se vayan contentos. Además, un portfolio diverso hará que guste a más gente con estilos diferentes. Aunque problemas a la hora de realizar retratos, puede haber más, es un buen compendio para empezar a pensar en ellos, evitarlos y buscar soluciones. Es un paso más en la fotografía de retratos sobre lo que habíamos visto hasta ahora. No dejes de probar e investigar, ya verás cómo llegas a hacer grandes retratos.

Sólo Canon, Nikon y Sony sobrevivirán en el mercado de la fotografía



The New York Times ha hablado con varios analistas especializados en fotografía que han opinado sobre el futuro del sector a medio y largo plazo.

Cuando acaba un año parece que es propio de la naturaleza humana hacer predicciones sobre lo que nos traerá el futuro. El diario The New York Times ha publicado las de varios analistas respecto al futuro de la fotografía y no son especialmente halagüeñas. Yu Yoshida, analista de Credit Suisse, cree que el mercado de la fotografía va camino de convertirse en un oligopolio y no todos los fabricantes serán capaces de sobrevivir.

“A medio y largo plazo, los fabricantes de cámaras digitales están obteniendo malos resultados y el mercado se está convirtiendo en un oligopolio. Sólo aquellos fabricantes que tengan una marca fuerte y sean competitivos en precio sobrevivirán y sólo Canon, Nikon y Sony cumplen ese criterio“, ha comentado Yoshida. La fortaleza de Canon y Nikon, pese a algunos baches recientes, está fuera de toda duda, mientras que Sony tiene la ventaja de ser uno de los principales fabricantes de sensores de imagen.

Los analistas también ven muy negro el futuro para las cámaras sin espejo y, por tanto, también para esos fabricantes que no tienen en el mercado cámaras réflex, como Panasonic, Olympus o Fujifilm. En Japón el sistema CSC sí está funcionando bien. Si revisamos las cifras de ventas de entre enero y octubre de este año en Japón, un 36% de las mismas corresponde a cámaras sin espejo. 

El problema de este formato es que en Estados Unidos y Europa no ha acabado de cuajar. Parece que el usuario occidental medio sigue relacionando el tamaño de la cámara con la calidad de imagen que se obtiene de la misma. Ya sabéis, eso de “burro grande, ande o no ande”. Eso ha hecho que las ventas de cámaras sin espejo sólo supongan alrededor de un 10 o un 11% del total de las cámaras vendidas. De hecho, en la campaña del Black Friday en Estados Unidos las ventas de cámaras sin espejo cayeron un 20%, mientras que las de cámaras réflex aumentaron ligeramente. 

“Yo me centraría en el mercado de cámaras de objetivos intercambiables propiamente dicho, excluyendo a las mirrorless, y en la conectividad”, opina Ben Arnold, analista especializado en imagen de NPD. Arnold opina que el objetivo debe ser cerrar la brecha entre los dispositivos fotográficos de alta calidad y la nube, es decir, la posibilidad de almacenar y compartir imágenes online. 

Dicen también los analistas consultados por The New York Times que los consumidores no quieren conectar sus cámaras a sus teléfonos móviles; lo que quieren es una interfaz única con la que poder subir de firma instantánea sus fotografías a Facebook, Twitter y otras redes sociales. En este sentido hablan de los Sony QX, que a algunos nos parecía un invento condenado al fracaso pero que están teniendo una demanda por encima de lo esperado.

Más información | nytimes.com

Balance de Blancos: Qué Es y Cómo se Usa


El balance de blancos (White Balance, WB) es un control de la cámara que sirve para ajustar el brillo de los colores básicos rojo, verde y azul (RGB) con el objeto de que la parte más brillante de la imagen aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro. Este control, dependiendo de las cámaras, puede ser automático o manual. Si no tienes claro cómo funciona esta opción de tu cámara o, simplemente,nunca te has planteado su uso, lo que te voy a contar te interesa. En este artículo te explico qué es el balance de blancos y cómo configurarlo correctamente para mejorar notablemente el resultado de tus fotos.

Por Qué Necesitamos el Balance de Blancos

Los colores registrados por la cámara digital dependen de la iluminación. La luz que entra por el diafragma y registra el CCD no es siempre la misma. Puede ser natural o artificial, existiendo subtipos que dependientes de una serie de características diferenciadoras. Una de ellas es precisamente la temperatura de color, que expresa la dominante de color de una fuente de luz determinada, que varía según la distribución espectral de la energía.
En condiciones de luz natural, la energía lumínica está distribuida de forma equilibrada en las tres componentes de color Rojo-Verde-Azul (RGB). Sin embargo, con iluminación artificial una de las componentes de color suele prevalecer sobre las otras. Por ejemplo, en iluminación basada en bombillas incandescentes (tungsteno) el color rojo es predominante.

Una cámara no tiene la capacidad de procesar la luz como lo hace nuestro cerebro, ya que está calibrada de forma que el sensor identifica como luz blanca una luz con la temperatura del color de la luz del Sol. Para compensar los efectos de la iluminación en la foto debemos ajustar en la cámara la ganancia de cada una de las componentes de color.
El Balance de Blancos en las Cámaras Digitales
La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de blancos automático. Como hemos explicado anteriormente, lo que hace este sistema es ajustar la parte más brillante de la escena para que aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro.

Los Modos del Balance de Blancos

Algunas cámaras digitales disponen de configuraciones del balance de blancos con valores por defecto que se pueden seleccionar en sus menús. Estas configuraciones de balance de blancos suelen ser las siguientes:
  • Interiores o tungsteno: Se ajusta el balance de blancos asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz incandescente (bombillas) o halógena.
  • Soleado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior con un tiempo soleado o nublado de gran luminosidad.
  • Nublado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior en condiciones de sombra o de cielo muy cubierto.
  • Fluorescente: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz fluorescente.
Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con los términos medios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar una mayor longitud en las capas de la atmósfera que envuelven la tierra. Esto modifica la coloración de la luz, la cual pocas veces notamos ya que nos es demasiado cotidiano. En estos casos es muy util disponer de un modo de ajuste manual del balance de blancos.

Ajuste Manual del Balance de Blancos


El ajuste manual del balance de blancos en las cámaras digitales actuales es bastante sencillo. Basta con enfocar un objeto de color blanco (un papel, por ejemplo) y pulsar el botón de calibración de blancos. De este modo la ganancia de las tres componentes de color se ajustará automáticamente para dar el mismo nivel de señal bajo estas condiciones de iluminación, obteniendo de este modo en nuestra imagen unos colores próximos a los reales de la escena fotografiada.

Los niños sirios recurren a la fotografía para denunciar su dramática situación

Los conflictos bélicos siempre dejan tras de sí un reguero de víctimas inocentes que a menudo solo pueden contemplar cómo toda su vida se desmorona sin poder hacer nada para impedirlo. Y los niños son, sin duda, los más desfavorecidos. Casi todos los días vemos en los informativos la dramática situación en la que se encuentran los miles de niños sirios que se han visto obligados a huir de sus hogares para salvar su vida.
Pero, hasta ahora, no hemos tenido la oportunidad de experimentar sus vivencias a través de sus propios ojos. Desde el pasado 23 de diciembre y hasta el próximo día 30 se están exhibiendo en un centro comercial de Dubai 48 fotografías y 24 retratos tomados por los niños sirios que sobreviven en uno de los campos de refugiados de Jordania.
Detrás de esta conmovedora muestra, a la que han bautizado como Faces (rostros, en inglés), se encuentran los organizadores de los premios HIPA (Hamdan International Photography Award). Esta asociación decidió enviar a uno de los campos de refugiados más hacinados una delegación bien provista de equipos de fotografía para enseñar a los niños no solo a tomar instantáneas, sino también a percibir la fotografía como un medio de expresión que les permitiese describir el mundo a través de sus ojos.
Los niños sirios exhiben en HIPA
Desafortunadamente, es probable que muy pocos de nosotros tengamos la oportunidad de disfrutar la muestra que se está exhibiendo estos días en Dubai, por lo que solo nos queda confiar en que HIPAse anime a publicar pronto en su página web las fotografías de estos pequeños artistas.
Vía | HIPA
Más información | HIPA en Facebook

Instagramers Gallery, una nueva galería online orientada claramente a la fotografía móvil



InstagramersGallery.com a nacido hace una semana con la simple premisa de dar a conocer el mundo y mostrar el universo personal de cada uno a través de la fotografía: un escaparate donde ver y ser visto por los demás, una galería de acceso gratuito y abierto que permite a los no usuarios de redes sociales consultar o descubrir las fotografías expuestas.
Requerimientos: tan solo hace falta, como cabía esperar, ser usuario de Instagram para formar parte de Instagramers Gallery. Eso sí, solamente, se permite subir una solo foto al día.

Para aquellos que les gusta saber de las cláusulas de cesión de derechos y demás aspectos legales a la hora de subir sus fotos a una galería de este tipo, pueden echar un vistazo a las condiciones, responsabilidad y términos legales:
Todo el contenido del sitio web de IG, entiende que incluye, sin limitación, texto, fotografías, gráficos, imágenes, software, logotipos y demás contenidos audiovisuales, son propiedad de IG o de terceros que, en su caso, hayan autorizado IG incluir y utilizar este contenidos en la página web IG.
Dicho contenido está protegido por las leyes nacionales y los tratados internacionales sobre derechos de propiedad intelectual e industrial que se aplican. Todos los derechos de propiedad intelectual de esta página web IG están legalmente reservados y el acceso o el uso de la página web IG no deben considerarse en modo alguno como el otorgamiento de ninguna licencia o derecho sobre los bienes de propiedad de IG o de terceros.

Premiar el talento y la creatividad

El segundo objetivo, y que puede atraer a muchos aficionados a la fotografía móvil, es el de los concursos. Tanto el concurso diario Photo-Day Prize cuyo ganador obtendrá 1000 dólares (basado en votación popular) como el anual Instagramers Photo Prize dotado con 100.000 dólares. En este segundo sí habrá un jurado jurado compuesto por destacadas personalidades del arte, la comunicación y las nuevas tecnologías, que decidirá los premios a partir de las fotos galardonadas con el Photo-Day Prize.
Además, se abrirá en Miami, la Instagramers Gallery Miami, como base para una serie de galerías distribuidas en varios lugares del mundo, destinadas a la promoción y difusión de la fotografía en formato Instagram. En el mes de enero se abrirá la segunda tienda en el mundo, la Instagramers Gallery Madrid.

Kodak Alaris y Lomography se unen para mantener viva a la fotografía analógica

Ambas empresas se comprometieron a colaborar entre sí para mantener disponible y a la venta las emulsiones y films analógicos. ¿Estamos llegando a la muerte del film y el resurgimiento como nicho dedicado?


¡Buen día para todos los fotógrafos analógicos! Las compañías Kodak Alaris y Lomography acaban de anunciar que cooperarán entre sí para seguir produciendo película analógica. Según su propia nota de prensa, se trata de un “compromiso inquebrantable” para continuar fabricando y desarrollando la variedad más grande de emulsiones y películas sensibles y mantener vivo lo analógico en el siglo 21.

Kodak Alaris en realidad no es la real Kodak, sino una subsidiaria —UK Kodak Pension Plan— que compró la división de negocios de imágenes. Utilizando su nombre original, Kodak Alaris prometió hacerle honor fabricando film analógico mientras siga teniendo rédito.

Lomography por su parte se comprometió a seguir fabricando sus películas alternativas —como la Redscale que ya viene invertida y la LomoChrome Purple XR 100-40 que emula la Kodak Aerochrome— y desarrollando nuevas. Lomography juega un papel importante debido a que es una de las pocas compañías que fabrica formatos atípicos y difíciles de conseguir como los 110 y 120, que además se venden en paquetes mezclados, por lo que no necesitas comprar exclusivamente un determinado formato.

Por último, Lomo continua abriendo las puertas de sus tiendas de revelado, lugares por demás importantes ya que un film expuesto pero sin lugar donde ser procesado carecen de utilidad. Según sus propias estadísticas, entre laboratorios propios y registrados acumulan la suma de 700 lugares destinados a este fin. 

¿Qué significa esto? En primer lugar una buena noticia para los amantes de lo analógico. Al menos ahora dos compañías se comprometen a seguir fabricando los soportes. Pero no nos dejemos engañar. Esto no es un contrato o una firma legal, es simplemente una movida publicitaria para avisar que ambas compañías siguen a flote. Es esperanzador que se comprometan, pero tampoco es un seguro 100% infalible.

De todas maneras, ¡a seguir disparando! Pero ahora un poco más de manera analógica. 

Vía - Altfoto
Foto - Jay DeFehr

125 años de impresionantes fotografías gracias a National Geographic


Si hay una publicación de referencia para todos aquellos que amamos la fotografía, esa es National Geographic. En las estanterías de mi selecta biblioteca aún puedo encontrar algunos ejemplares comprados hace unos cuantos años, mucho antes quizá de que dedicase mis horas a esta disciplina, mucho antes seguramente de haber dejado a un lado el género de paisaje para adentrarme en otros quehaceres menos vistosos e imperfectos.

Porque la fotografía que engalana las páginas de esta mítica publicación es perfecta. 125 años avalan una revista que nos ha hecho viajar por el mundo sin apartar la vista de sus hojas. Que nos ha hecho volar, navegar y adentrarnos en las profundidades (recuerdo un número publicado con imágenes en 3D del Titanic sumergido) gracias a reportajes que ya forman parte de la historia, de nuestra historia.



1888 fue el año clave en el cual empezó todo. Desde ese momento, no han dejado de sucederse hitos para esta revista, muchos de los cuales vienen a nuestra memoria gracias al vídeo resumen publicado en la página de National Geographic. Desde las primeras imágenes de animales en la noche gracias a la fotografía nocturna, a la inmesión ya comentada al Titanic por James Cameron, pasando por el reportaje del descubrimiento de Machu Pichu o la icónica mirada de la chica afgana captada por McCurry.


Un poco de historia sobre National Geographic

Esta Sociedad, fundada en Estados Unidos el 27 de enero de 1888 a cargo de 33 hombres, fue presidida por primera vez a cargo de Gardiner Greene Hubbard quien fue sucedido por su yerno, el mismísimo Alexander Graham Bell, diez años más tarde. La primera revista no fue publicada hasta octubre de ese año, aunque apenas contaba con fotografías e ilustraciones. En ese primer momento su preocupación divulgativa se centraba en la geografía, y a ello se han ido añadiendo otros temas de corte científico y culturales en lo que viene a ser una de las publicaciones más completas en cuanto al ser humano y su medio se refiere. Como dato curioso, la primera portada ilustrada con una fotografía fue publicada en 1960, hasta entonces sólo contenía texto.

En 1997 lanzó su canal internacional de televisión, gracias al cual, vía satélite, podemos disfrutar de su programación centrada en viajes y demás experiencias que tienen que ver con las materias llevadas a cabo en la revista. Además, su oferta se ha ido completando estos años, aparte de la implementación con la revista de Historia y la de Viajes, también con la apertura de tiendas, sin ir más lejos la ubicada en la Gran Vía madrileña, la cual ya nos ha regalado varias charlas de corte fotográfico desde que abrió su puertas.

Ahora están celebrando el billón de visitas en Youtube, y para ello han montado el vídeo que os adjunto. Han sabido adaptarse siempre a los nuevos tiempos, ya vimos hace unos meses, coincidiendo con la fecha de su aniversario, cómo habían creado un nuevo Tumblr Found. Sin lugar a dudas, un medio excepcional para dar a conocer muchas de sus históricas fotografías que ha ido ampliando sus publicaciones desde que se puso en marcha, y que nos dejará pegados a la pantalla del ordenador durante un buen rato.



El poder de la fotografía, número especial de la revista en octubre

Los fotógrafos usan sus cámaras como herramientas de exploración, pasaportes a santuarios internos, instrumentos de cambio. Sus imágenes son la prueba de que la fotografía importa, ahora más que nunca. 

Así reza el texto de este número especial publicado por la revista National Geographic en la versión americana en el cual se hace una recopilación de sus imágenes más significativas desde sus primeros números publicados hace 125 años. En el vídeo de cabecera se hace un resumen donde podemos ver el paso de nuestra historia a través de las icónicas fotografías que nos han ido regalando en estos últimos dos siglos.

Desde las primeras fotografías de George Shiras III a imágenes de la Guerra del Golfo, pasando por imágenes del Mar Muerto, osos polares y leopardos, la gran cantidad de instantáneas tomadas y publicadas que han poblado sus páginas, nos hablan de nuestro mundo, del afán por cuidarlo y concienciar a las generaciones futuras.

En resumen 

Felicitamos a National Geographic, cuya labor de divulgación sigue presente, como podemos obsevar cada día. Entre los últimos hitos conseguidos, la búsqueda y posterior descubrimiento de la cápsula del tiempo enterrada por Steve Jobs en 1983, en la cual se ha encontrado una cámara Kodak entre otros objetos. Y así por muchos años más.

Vía - XatakaFoto
Información - National Geographic

Andrés Martínez Casares, fotoperiodista: "Lo que más miedo me da son los recuerdos que te llevas de algunos sitios"



Andrés Martínez Casares es un tipo tranquilo, confiado en sí mismo, luchador y con principios. Y todo ello se refleja en su forma de ofrecernos ver el mundo a través del objetivo de su cámara y de una profesión, como dice él, en recortes y transformación obligada como es la de fotoperiodista. 

Nació en León hace 30 años, y, aunque su poblada barba nos hace pensar en varios años más, en realidad, es fruto de la experiencia y las dificultades que uno tiene cuando visita el campo de batalla. Un campo de batalla que le ha llevado desde hace un tiempo a cubrir el conflicto de Egipto, con el mismo buen criterio y sensibilidad que le llevó a hacerlo hace unos años con la devastación provocada por el terremoto de Haití. Andrés, pinta fotos y cuenta historias, muy humanas, muy cercanas, dolientes y sangrantes, en ocasiones, para golpearnos con la ternura en otras.

Este leonés, después de dejar el ámbito local y pasar al nacional, decidió que las ruedas de prensa no eran lo suyo y en 2009 abandonó aquello y comenzó a viajar por América Central. Fue la elección correcta y diarios como The New York Times, Xinhua, The Wall Street Journal o Der Spiegel han contado con sus servicios en varias ocasiones.

Qué es lo que lleva a un fotógrafo como tú a fotografiar un conflicto tan difícil de entender desde la mentalidad europea como el de Egipto 

No pude cubrir la primavera árabe porque estaba en Haití. Pero siempre he tenido esta parte del mundo como un referente para trabajar. Más cuando la situación es tan complicada como lo es ahora. Cuando hay tantos cambios en una sociedad tan distinta a la nuestra siempre es interesante poder vivirlos y documentarlos, además de suponer un reto profesional. 

EFE, ADN, El Mundo e incluso The New York Times, The Wall Street Journal o Der Spiegel . Has estado en África, Europa, América Central ¿Ser fotógrafo freelance ofrece más posibilidades de trabajo? o todo lo contrario: ¿es la única posibilidad? 

Ser fotógrafo freelance no es porque ofrezca más posibilidades es que se convirtió en la única la única salida que vi. Desde hace años quería trabajar en un ámbito internacional. Profesionalmente me atraía mucho el trabajo de acercarte a otras realidades, y yo en España apenas pasaba de cubrir ruedas de prensa o hacer entrevistas. No es un trabajo para nada sencillo, y menos cuando no tienes ni idea de vender tus fotografías, y creo que exige mucho sacrificio, pero hago lo que me gusta hacer.

También he disfrutado mucho, por ejemplo, cuando trabajaba contratado para agencias en Haití procuraba mantener en el hilo siempre información, pero gozaba de cierta libertad para cubrir hechos que no fueran sólo noticias. Trabajé mucho “daily life” en aquella época. 




Para un fotógrafo como tú, en zonas de conflictos, ¿qué es lo más difícil? ¿Zona de conflicto? 

Bueno, no considero esta situación – se refiere a su lugar actual, El Cairo, Egipto – una zona de conflicto como tal. Al menos no un conflicto como podría ser una guerra, que es lo que yo entendería por conflicto. Pero sí son situaciones más sensibles, quizás crisis, en Egipto ha habido enfrentamientos y muchos muertos en una jornada en agosto, en otras ocasiones han sido desastres naturales, o epidemias. Pero entiendo por donde vas. Creo que lo más difícil es aprender a desenvolverse, con las personas y con las circunstancias. En cada lugar y en cada momento, las cosas cambian, y hay que aprender a adaptarse y asumir lo que hay alrededor.

¿Y lo qué más miedo te da? 

Los recuerdos que te llevas de algunos sitios. 

Sientes, seguramente, la necesidad de mostrar tus fotografías al mundo, imagino, pero cómo se produce la selección de tu trabajo. ¿Cuál es el criterio que utilizas? 

Intento tomarme un tiempo, ver cuáles son las fotos que a mí más me transmiten. Las que me cuentan algo, las que pueden explicar el momento. Pero también trato de fijarme en detalles. En que la foto sea, cuando menos, correcta. Luego, pues trato de que sean lo menos hirientes, aunque a veces la única forma de transmitir es que la foto le pique al lector, que le haga pararse.


¿Te sientes recompensado por lo que luego ves publicado? 

No siempre, pero sí es cierto, que cuando una foto es buena no sólo lo ve uno mismo, los editores también. El principal problema es competir con las grandes agencias. En este momento estoy trabajando fuera de ese círculo y conseguir colocar fotos en revistas no es sencillo. Tienes que tener algo muy distinto y que a los editores les convenza para que en lugar de tirar de una foto de la linea que suelen tener contratada, te compren a ti. 

Es conocido en el sector que la situación del fotoperiodismo actual no es buena, más bien mala. Y no lo digo a nivel de reconocimiento, donde el fotoperiodismo español ocupa puestos de cabeza. Sin embargo, los medios cierran, fotógrafos son despedidos e incluso en alguno lugares se fía todo a la participación ciudadana ¿Los fotoperiodistas son una especie en extinción? 

La situación es muy mala. Si nos mantenemos en esto, en muchos casos es a costa de sacrificar una gran parte de nuestras vidas. Pero no creo que seamos una especie en extinción, aunque sí en recorte y readaptación. La profesión está tocada. El otro día leía de un periódico que ofrecía a los lectores pagarles de 15€ a 40€ por foto. Yo me pregunto si harían lo mismo con los textos. Hemos sido los primeros en ser prescindibles. 

La participación ciudadana siempre ha estado ahí, pero los periodistas tenían que contrastar, acudir… Ahora cualquiera tiene una cámara en el teléfono, y te hace una foto, un vídeo y, si se pone, te graba una entrevista. No les cuesta nada mandarte un mensaje con la foto, te la subes a la web con las cuatro cosas que te pueden contar de lo que ve y ya tienes la nota fabricada, y encima llegará a sus amigos y les dirá, mirad esto lo he hecho yo. Y el redactor no ha salido de la redacción. Me da pena ver como en algunos casos hemos dejado que esto ocurra.

Espero, sinceramente, te presentes esta próxima edición al World Press Photo ¿Es así? 

(Sonríe) Pues gracias. Pero no soy yo muy “concursero”. Tengo que tener muy claro que tengo algo que merezca la pena y, honestamente, creo que por ahora no hay nada tan bueno, pero si para entonces considero que tengo algo que pueda enviar lo haré. Pero te agradezco enormemente el cumplido. 


Próximos proyectos, destinos, … 

De momento he decidido quedarme por el Cairo hasta mediados o finales de octubre, y si la economía me lo permite irme en noviembre a Haití, de nuevo, durante unas semanas. Pero ya se verá que pasa…

Hasta aquí hemos llegado con la entrevista a Andrés Martínez Casares, al que agradecemos enormemente su colaboración a pesar de la dificlísima situación que está viviendo en Egipto y que, en ocasiones, nos ha dificultado algo la comunicación. E igualmente le insistimos en animarle a presentar alguno de sus últimos trabajo a concursos como WPP o el Tim Hetherington Grant Award que organiza WPP con Human Rights Watch.

Mas información y fotos: Andrés Martínez Casares

Vía : XatakaFoto

"Fake Love", videoclip Stopmotion con 10 000 fotos



Bueno les presento un videoclip en stop-motion que me ha llamado mucho la atención: Fake Love, creado por Christophe Thockler con un total de unas 10.000 fotografías macro estáticas y que gira en torno a un coche en miniatura. Este producto audiovisual mezcla con maestría la macrofotografía, muy buenas composiciones, las técnicas de stop-motion y por supuesto la música de O Conqueror. Un trabajo titánico con unos resultados fotográficamente muy interesantes.




Este videoclip, en el que la cámara sigue a un coche de juguete que escapa de una casa y deambula por la ciudad, el bosque y el campo, en lo que su propio autor considera un recuerdo de cómo percibimos nuestro juguete favorito de la infancia. 

Fue realizado para el tema Fake Love del grupo estadounidense O Conqueror, el coche fue animado manualmente centímetro por centímetro, como os podéis imaginar, y a su autor le supuso varios meses de trabajo con un total de 150 horas de grabación, que no es poco. 

Con más mérito todavía para Christophe, teniendo en cuenta que él mismo se encargó de todo: grabación, edición, fotografía y posproducción. 

A continuación, podéis ver algunas fotos interesantísimas de cómo lo llevó a cabo:

(Click en la imagen para verla tamaño completo)







¿Kodak empieza a ver la luz al final del túnel?




Casi dos años después de declararse en bancarrota, Kodak empieza a levantar cabeza. La compañía estadounidense ha recibido permiso del juez para iniciar el plan que le permitirá salir de su situación actual y cancelar la suspensión de pagos. La nueva Eastman Kodak ya no será la poderosa empresa que era y tampoco la misma compañía que se acogió al capítulo 11 de la ley de quiebras en enero de 2012.

El gigante de la fotografía tiene ahora muchos menos trabajadores y se ha visto obligado a desprenderse de muchos de sus activos, desde la Kodak Gallery, vendida a Shutterfly a mediados de 2012, hasta sus más de mil patentes sobre imagen, adquiridas a finales del año pasado por un grupo empresarial que tenía a empresas como Google, Microsoft, Apple, Amazon y Facebook a la cabeza.

Tras el visto bueno del juez, se espera que el próximo 3 de septiembre se ponga en marcha el plan de reorganización, que cuenta con el respaldo de una gran mayoría de los acreedores de Kodak. Este plan servirá debería servir además para que el actual CEO de la compañía, el español Antonio M. Pérez, busque la redención tras ser criticado por llevar a la empresa a la ruina.

Pérez, nacido en Vigo en 1947, pasó 25 años en Hewlett Packard, donde ocupó diversos cargos, incluyendo los de presidente y CEO. Entre junio de 2000 y diciembre de 2001 fue presidente y CEO de Gemplus International y también trabajó para Schering-Plough Corporation y Freescale Semiconductor, Inc. Fue nombrado presidente de Kodak en abril de 2003 y en mayo de 2005 se convirtió en CEO de la compañía, sucediendo a Daniel Carp.

El gran reto de este ejecutivo español era enfrentarse al desafío digital y lograr que Kodak recuperase la posición en el mercado que ocupaba en los años 90, cuando era una de las diez mayores empresas de EE.UU. La compañía se centró en sus servicios de impresión y software, en ese momento los más rentables, pero el valor de las acciones no dejó de caer. Si en 2005 el precio por acción era de 25 dólares, en 2011 era de sólo 1 dólar. Mientras tanto, los analistas criticaban la forma en la que la compañía gastaba el dinero que obtenía de sus patentes hasta que llegó la inevitable bancarrota.

Que ahora Kodak haya recibido luz verde para acabar con la suspensión de pagos supone en la práctica que podrán tomar decisiones y emprender acciones dentro de la compañía sin tener que consultar cada paso con los abogados. Eso les dará una mayor libertad de maniobra. Tras haber reducido su plantilla de forma drástica y haber vendido algunas de sus líneas de negocio, ahora Kodak tendrá que apoyarse en las 9.600 patentes tecnológicas que todavía posee para tratar de levantarse de nuevo. En eso y en su marca, que sigue teniendo un gran peso y prestigio para el gran público. De hecho, en los últimos tiempos ya hemos visto cómo se anunciaban varias cámaras fabricadas por JK Imaging Limited que lucían la marca Kodak. 


Vía | El País

Pentax Si, un concepto minimalista


Ya sabemos que de vez en cuando me gusta traerles algún concepto de cámara interesante. El de hoy ha sido bautizado como Pentax Si y es obra del diseñador Andrew Kim. La idea de Kim era unir en un único producto todas las ventajas de los distintos tipos de cámaras fotográficas que existen en el mercado: la calidad de una cámara réflex, el tamaño compacto de las cámaras mirrorless y la sencillez que nos puede ofrecer un teléfono móvil o una cámara compacta.

Con eso en mente diseño esta Pentax Si, una cámara de tamaño compacto que se maneja con únicamente una rueda. Girando esa ruda modificamos la exposición de la toma, más clara o más oscura, y pulsándola tomamos la foto. No hay nada más. En la pantalla, que contaría con funcionalidad táctil, veríamos una previsualización en vivo de la imagen y una barra que nos indica la exposición actual. La idea es que ese funcionamiento es algo que puede entender cualquier persona en cuestión de segundos.

Según explica Kim, la cámara procuraría mantener siempre una velocidad de obturación por encima de 1/30 segundos y la mayor apertura posible, ajustando después en función de lo que el usuario configure manualmente con el dial.

Para el diseño externo de la cámara se han seguido las enseñanzas de Naoto Fukasawa. Así, nos encontramos con un diseño extramadamente sencillo y minimalista, con líneas rectas y suaves curvas. La parte delantera de la cámara está dominada por el objetivo, sobre el que no se ofrecen especificaciones, del mismo modo que la parte trasera está dominada por la pantalla táctil.

En la parte superior de la cámara encontramos el mencionado dial, de un tamaño considerable, y lo que parece ser el botón de encendido. El flash integrado se sitúa justo encima del objetivo, en una banda de distinto color que ocupa toda la parte superior. En la zona de agarre de la cámara hay una pequeña protuberancia para hacerla más cómoda de sujetar y un cordón para sujetarla a la muñeca que sale de la parte inferior.

Más allá de ese concepto de modificar sólo la exposición y de que no quede muy claro cómo funciona el enfoque de la cámara, el aspecto puramente estético del diseño me parece ciertamente atractivo. Al menos mucho más agradable a la vista que el criticado diseño de la Pentax K-01, por ejemplo, aunque ambos compartan algunas cosas. 

Vía | minimallyminimal.com

Rio de Janeiro en un gran Timelapse


Los creadores de vídeos time-lapse no dejan de sorprendernos. Esta vez se trata de un vídeo time-lapse de la metrópolis brasileña de Río de Janeiro realizado por el fotógrafo Joe Capra, de Scientifantastic.

“Tuve la suerte de que me enviasen a Río para grabar metraje en resolución 4K y 10K para uno de los principales fabricantes de productos electrónicos. Este vídeo es una recopilación de parte de lo que grabé allí,” explica el propio Capra en la descripción del vídeo en Vimeo. Capra cuenta además que aunque casi todas las localizaciones que aparecen en el vídeo pertenecen a la propia ciudad de Río de Janeiro, también podemos ver las siempre inconfundibles Cataratas de Iguazú, una de las siete maravillas naturales del mundo, situadas justo en la frontera entre Brasil y Argentina.

Otras ubicaciones tan emblemáticas como las playas de Copacabana o de Ipanema, así como monumentos como el Cristo del Corcovado forman parte de este time-lapse de una de las ciudades más conocidas del mundo, la tercera mayor área metropolitana de Latinoamérica y la segunda ciudad más poblada de Brasil, con más de seis millones de habitantes. También es la ciudad brasileña con un mayor volumen de tráfico internacional y en 2016 se convertirá en la primera ciudad olímpica de América del Sur. Dos años antes albergará además el Mundial 2014 de la FIFA.

Los fotografías que se han utilizado para la composición de este vídeo time-lapse se capturaron usando tres cámaras distintas: una Canon EOS 5D Mark II, una Canon EOS 5D Mark III y un respaldo PhaseOne IQ180. La música que acompaña a las imágenes es del compositor alemán Jan Baumann. Les invito a disfrutar del vídeo en alta definición y a pantalla completa. Merece la pena. 






Vía | diyphotography.net

El paraguas rojo


Fotógrafo: Jonathan Kos-Read

“La foto la hice en septiembre de 2012 en Pekín. Nací en un lugar en el que llueve cada día así que me siento muy cómodo con esta condición meteorológica. Y me gusta fotografiarla”, explica seguro de sus palabras Jonathan Kos-Read.

“Esta foto es importante para mí por distintas razones: ha sido vista por muchísimas personas. Apareció publicada en el blog de Flickr y ahora aquí en “Cómo la hice”. Me ha abierto muchas puertas aunque nunca he pensado que fuera una de mis mejores capturas. Así parece funcionar todo esto. És un cliché eso de que a los artistas nunca les gustan sus trabajos más populares.”

“Esta imagen nació a raíz de un grupo en Flickr llamado “Get Pushed”, en el que se te empareja con alguien que intenta, haciendo crítica constructiva de tus trabajos, empujarte a mejorar y a probar cosas nuevas. En mi caso, el comentario que recibí fue el siguiente: ‘Hola Jonathan. Me gustan mucho tus fotos, son adorables. Me he fijado en que te centras mucho en la gente. Te reto a fijarte en objetos inanimados, en hacer fotografía macro. Tienes que fijarte en los detalles ordinarios de un objeto para que aparezca como algo extraordinario. Espero que el reto te motive y te divierta al mismo tiempo. Ya estoy deseando ver los resultados.’”

Nos cuenta que Kos-Read que “estaba caminando bajo la lluvia, un tanto perdido. Quería contar la historia de cómo sentía yo aquella lluvia, pero todas las fotos que hacía me parecían malas: gente mojada y con cara de pocos amigos. Ninguna de las fotos que hacía atesoraba la sensación de aislamiento y desconexión que me transmitía la lluvia. Eso me hizo reflexionar. Seguí caminado hacía un puente que hay encima de una carretera cerca de mi apartamento. Y entonces vi esta foto en mi mente. No es que viera los paraguas rojos, pero lo de centrar la atención en la lluvia y que el resto quedara distante y fuera complicado conectar con ello, sí.”

“Llovía con intensidad aquel día, pero como trabajo en estudios de cine, dispongo de buenos paraguas, muy grandes. Me escondí debajo de uno de ellos aquel día en el puente. El agua caía a mi alrededor mientras yo intentaba sujetar la cámara y la bolsa al tiempo que enfocaba manualmente con mi cámara. No fue fácil, para nada.”

“Utilicé una Nikon D700 con el Nikkor 135 mm DC f2. Disparé a 1/160, con un valor de 1.000 ISO,” explica Read.

“Potenció un poco el color del paraguas rojo en la edición digital posterior. Modifiqué también el contraste y apliqué un filtro de DxO. Mi flujo de trabajo es relativamente simple: disparo en formato Raw porque me siento cómo editando estos archivos. Abre mi imagen en Lightroom y aplico los primeros cambios. Exporto a formato PSD y abro el archivo en Photoshop. Entonces modifico de forma obsesiva todo lo que hay que modificar hasta que presenta el aspecto que tengo en mente.”

“Yo necesito tener una idea en mente cuando salgo a disparar. Tengo que decirme a mí mismo cosas como: ‘Voy a contar una historia sobre lo mal que está el tráfico hoy en Pekín.’ O algo del estilo de ‘voy a contar la historia de los mercados nocturnos de la ciudad en la que vivo’. Entonces salgo y rara vez hago las fotos que cuenten la historia que había planeado. Siempre acabo con algo distinto. Pero si salgo a la calle sin una idea, vuelvo a casa con las manos vacías. No entiendo por qué, pero siempre es así.”

Podemos ver más trabajos de Jonathan Kos-Read en su cuenta de Flickr.

Un descanso en el camino



Fotógrafo: Yubai Li | Editor: Calvin Dexter 

“Hice esta foto en la frontera de Daliang Shan, una de las áreas nacionales más pobladas de China. La gente de allí, muy simples y naturales ellos, vive en total armonía con la tierra”, nos explica Yubai Li acerca de la foto que nos ha remitido. 

Añade el autor que en Daliang Shan se celebran muchas ferias, hay intercambio de bienes, negocios de todo tipo y que lo que más le llama la atención es la gente y su forma de ser. Por eso la foto es importante para él y tiene aquel valor especial difícil de describir: captura lo que vivió en sus propias carnes durante los días que estuvo allí. 

“Fue una toma muy simple. Me gusta capturar a la gente en su hábitat natural, haciendo lo que harían normalmente si yo no estuviera allí. Es esa belleza natural la que me atrae y me hace pulsar el botón para disparar.” 

“No tuve ninguna dificultad para trabajar allí y hacer las fotos que quisiera. Todo era pura armonía y belleza natural”, nos confiesa Yubai Li. 

Para capturar esta humana escena, el autor de hoy utilizó una Contax 645 con un objetivo de 55 mm. “Trabajé la imagen en Photoshop. Mi intención era transmitir los sentimientos de aquel momento y situación.”

Podemos ver más trabajos de Yubai Li en su cuenta de Flickr.

Fuente - Cómo la hice

Manten tu cámara limpia con este cepillo casero



La funda de nuestra camara no siempre protege a nuestra cámara del polvo. Para obtener una buena foto debemos evitar tener los lentes sucios y polvorientos es, por lo que mantener la cámara y las lentes limpias y protegidas es crucial.

Los profesionales en realidad tienden a utilizar brochas ordinarias de la cámara y la limpieza de la lente.

Paso 01:

Trampa de polvo para ayudar a detener el polvo antes de que se instala en su lente, coloque una almohadilla adhesiva de doble contacto en el interior de la tapa de la lente frontal y posterior.Esto ayuda a atrapar partículas, fibras y el polvo que flotan alrededor de su funda.



Paso 02:

Cortar Consigue un pincel 25mm con cerdas blancas, por lo que son fáciles de detectar si estas cerdas caen en su equipo. Use una sierra para cortar la mayor parte del mango.




Paso 03: 

Taladrar Perfora un agujero en el talón del pincel , utilizando una broca más grande para ayudar a la de anillo partido para sentarse más cómodamente cuando está equipado. 




Paso 04: 

Tiempo de dividir Coloque el aro de llavero el el agujero del pincel con un pequeño (loop)como se ve en la imagen. No deje el cepillo en el bolso – téngalo a mano cuando está fuera fotografiando y enganchelo en algún lugar si lo utilizará constantemente.


FuenteJuventud Fotografica

Tutorial como Fotografia en Clave Alta y Clave Baja



La mejor fotografía no es el resultado de una buena técnica. No es el encuadre, ni el revelado digital que le aplicamos lo que le da valor a una foto. Tampoco es la distancia focal del objetivo, ni el tamaño del sensor de la cámara con que la hayamos tomado.

Lo que hace de una instantánea una gran foto es la reacción que esa fotografía produce en quien la ve, las emociones que libera en él. Los sentimientos que induce. Algo así como lo que hace la poesía o la música. Déjate de fotos en HDR o en 3D… Si tu foto cautiva al espectador y causa en él una impresión, has triunfado.

Para provocar algo en el espectador tienes que hacer uso de ciertas herramientas. Una de esas herramientas que suelen funcionar muy bien a la hora de “generar” un sentimiento en quien ve la foto es la técnica conocida como Clave Alta/Clave Baja.




Las fotos hechas en Clave Alta o Clave Baja suelen llevar una enorme carga emocional. No puedes ver una foto en Clave Alta y no sentirte invadido por sentimientos positivos, de paz, de felicidad y de ternura. Tampoco te escapas de los sentimientos de intriga y misterio que suele generar una foto en Clave Baja. 

Son las típicas fotos que ves, te quedas impresionado como espectador, y no se te ocurre ni por asomo intentar hacerlas por lo complicadas que son, crees. No podrías estar más equivocado. Ya sabes que no escribo nada en este blog que no sea realmente fácil de llevar a cabo. Hoy toca aprender a hacer fotos en Clave Alta y Clave Baja. En las próximas líneas te guiaré, paso a paso, para que puedas producir tu primer trabajo en esta técnica. Verás que es extremadamente fácil conseguir unas fotografías cautivadoras y llenas de sentimientos.

Pasos para fotografiar en Clave Alta 

1.- Vas a necesitar luz, mucha luz. Lo ideal sería apoyarse en uno o dos focos de iluminación (luz continua) que inunden el encuadre de luz. Si vas a jugar muchas veces con la Clave Alta te interesa pillarte unos focos de luz continua o softbox.

2.- Prepara un fondo blanco. Imprescindible. 

3.- Ajusta la cámara, en modo manual como de costumbre, a una apertura relativamente grande (f/5.6 sería suficiente, aunque si quieres bajar a f/3.5 pues no iría mal tampoco). Asegúrate de tener ISO mínimo (100), una velocidad de obturación entre 1/5 y 1/10 segundos. Sube la exposición a +2 EV. 

4.- Ya que vas a utilizar una velocidad de obturación no excesivamente rápida, vas a necesitar un trípode, un disparador remoto (para eliminar toda posible vibración a la hora de disparar) y pedirle al sujeto que no se mueva. 

5.- Ahora dispara la foto. 


No te puedo dar una fórmula exacta en cuanto a ajustes, ya que se me escapan ciertos factores como la potencia de los focos de luz o flash que vas a utilizar, la distancia entre la fuente de luz y el sujeto. Lo que te acabo de dar son orientaciones que quiero que uses como punto de partida para ir experimentando, disparando, viendo el resultado y volviendo a disparar, y así hasta dar con la configuración más adecuada para la situación.


Pasos para fotografiar en Clave Baja 

1.- Fondo negro como te podrás imaginar ;) Tiene que ser plano, sin relieves ni brillos. La idea es que no refleje ninguna luz. 

2.- Luz: Clave Baja no significa ausencia de luz, sino escasez de la misma. En la Clave Baja el fotógrafo utiliza una cantidad mínima de luz distribuida de forma estratégica, dirigiéndola sólo a las partes que interesan del sujeto u objeto retratado. En este caso con un Flash remoto bastaría. Si el flash te permite controlar su potencia, ajústalo en una potencia baja. 

3.- Ajustes de la cámara: Aquí no hay valores de los que puedas partir por defecto. La única regla a tener en cuenta es que tienes que jugar con los ajustes para que entre cuanta menos luz a la cámara mejor. No digo que salga toda la foto oscura y ni siquiera se pueda distinguir al sujeto. Tampoco hay que irse a ese extremo ;) pero sí conservar una luz sutil que desvele sólo parte del cuerpo o cara de nuestro personaje. 

4.- Ahora dispara la foto. De nuevo, ve disparando y revisando los resultados. 


Fotografías ideales para la Clave Alta

Como te decía al principio la Clave Alta tiene una serie de sentimientos y emociones “típicos” que van asociados a ella. Por ello, hay situaciones y fotografías más “idóneas” para emplear esta técnica. Aquí te doy algunas ideas que podrás utilizar para inspirarte en tus primeros ejercicios de Clave Alta:

-Fotografía Macro
-Margraritas
-Niños
-Bebés
-Prejas y Bodas
-Desnudos
-Retratos femeninos

Fotografías ideales para la Clave Baja

De la misma manera, aquí tienes otros ejemplos de temas que podrás retratar en Clave Baja:

-Desnudos (de nuevo)
-Retratos
-Retratos de perfil
-Retratos masculinos

Experimenta. Descubre. 

Si pensabas montarte una sesión de Clave Alta o Baja en 10 minutos y pasar a otra cosa olvídalo. Esta técnica requiere tiempo y ganas. Un momento ideal típico para practicarla sería el fin de semana, un sábado por la mañana o por la tarde por ejemplo. Si te gustan las fotos hechas en esta técnica vas a disfrutar la sesión. Aprendes un montón e incluso descubres cosas nuevas que antes no conocías, pequeños detalles relacionados con el funcionamiento de tu cámara. Es toda una experiencia. 

¿Sabes qué es lo mejor de todo? Que tu primera fotografía en Clave Alta o Clave Baja te encantará, pero irás mejorando tus resultados cada vez que hagas una sesión. Créeme, cada vez que vuelvas a practicar la técnica, la dominarás más. 

Espero que te haya gustado el artículo de hoy. Practica lo aprendido y comparte tus resultados. 

Ah, y si has disfrutado de este tutorial, no dejes de recomendarlo en tu red social favorita. ¡Gracias!